ARGONAUTA RECORDS/ 2017

Une chose est certaine, la scène Stoner – Doom italienne, peut vraiment être reconnaissante d’Argonauta Records. Le label transalpin permet aux groupes du cru d’avoir une visibilité qu’ils n’avaient pas vraiment, et qui manquait cruellement afin que bons nombres de formations talentueuses puissent sortir de l’anonymat.

Nous allons aujourd’hui nous intéresser aux turinois de No Good Advice. Formé fin 2012 et ayant sorti un premier ep en automne 2015, il est temps au quatuor de sortir son premier full length, From « The Outer Space ».

Il n’est pas aisé de catégoriser No Good Advice tant le groupe passe allègrement du Stoner Rock au Heavy Rock, en passant par le psyché,le metal, voir même, par moment, l’ambiant. Comme décrit dans la biographie du groupe, les influences vont de Black Sabbath à Kyuss, et de Motörhead à Pink Floyd. Avoir énormément d’éléments différents peut être positif comme négatif. En effet, enchaîner des riffs pour enchaîner des riffs tout le monde peut le faire par contre faire cohabiter ce petit monde de manière homogène peut s’avérer nettement moins aisé. No Good Advice y parvient-il ? La réponse est sans aucun doute un grand oui.

Distillant tantôt des riffs de stoner rock pur et dur ( « Space Surfers ») où la fuzz règne en maîtresse, tantôt des riffs metal ( « Tears of the universe » ), ou des solos bien heavy ( « Astronaut Superstar » ) c’est une véritable démonstration de force que délivre NGA sur les 12 pistes que comporte ce « From The Outer Space ».

La batterie avec sa caisse claire sèche, et ses cymbales aériennes est supportée par un bassiste talentueux qui est présent sans en faire trop. La voix se veut granuleuse ou mélodique, voir même criée. Elle est toujours en parfaite adéquation avec les instruments qui la supportent.

On sent une parfaite cohésion entre les musiciens qui parviennent malgré toutes les influences à composer des chansons vraiment originales ( dans un style où l’originalité n’est en général pas la qualité primordiale ), parfaitement structurées et terriblement efficaces.

Ce qui est assez incroyable, c’est le nombre de groupes d’univers différents qui viennent à l’esprit à l’écoute d’une seule chanson. Prenons par exemple, l’excellent « Mother of the Void ». Au long de ses 5 minutes, on pensera tantôt à Kyuss, Tool, Soundgarden, Dark Tranquillity , et encore bien d’autres.

Si l’éclectisme de la musique de NGA est une qualité, elle peut avoir le défaut de parfois perdre l’auditeur dans un univers qui ne lui est pas forcément familier.

Un premier album très intéressant qui a pu mettre au goût du jour un style qui a tendance à se morfondre depuis plusieurs années. Une très bonne découverte qui ravira les amateurs de sonorités nouvelles.

Doomyan

AUTOPRODUCTION/2018

En Autriche, sur l'axe du Rhin aux frontières de la Suisse et du Liechtenstein, jonché aux pieds de superbes montagnes boisées se trouve la paisible ville de Feldkirch, connu notamment pour ses nombreux édifices culturelles issu du Moyen-Âge tel le château de Schattenburg, la cathédrale Saint-Nicolas ou sa Tour aux chats. C'est dans ce décor d'une autre époque que naquit en 2012 le sombre projet musical "Coma.", issu des pensées les plus noires et tourmentées de Vøid, le cerveau et l'être à l'origine du groupe. Répandant maladies et afflictions à travers une messe noire de sonorité alliant des éléments de Depressive Suicidal Black Metal (DSBM), Post-Black, Dark Ambiant, Industrial ou encore Post-Rock, "Coma." nous ouvre son tout dernier chapitre dans son univers où toute lumière s'efface pour laisser place à l'obscurité.

"The ashes of my dreams are spread inside my heart"

Sorti le 21 Janvier 2018 sur leur Bandcamp, "Agony|Hophek" est leur dernier méfait à ce jour, album de 9 morceaux pour une durée totale d'une quarantaine de minute en aller simple pour les ténèbres. Pour cet album, on y retrouve Vøid à l'écriture, à la programmation, au synthétiseur et au chant principal; Déhà pour les cordes (guitare + basse), à la batterie, au chant additionnel mais aussi au mixage/mastering et Moloch aux percussions et à la batterie. L'album, autoproduit, a été enregistrée en deux jours aux Forbidden Frequencies Studios de Bruxelles.

"My mind is long gone into the depths of night"

" Agony|Hophek" est introduit par le titre ambiant "IXIIXI" qui installe dès les premiers sons l'ambiance générale de l'album mais aussi celle du groupe: Au travers d'un bruit semblable à celui d'un courant d'air dans de vieux tuyaux en sous-sol se rajoutent des chuchotements malsains, des cris, des bruitages, des percussions palpitantes et quelques notes de piano, le tout donnant une impression d'écouter un véritable rituel de sorcelerie. C'est froid, glauque, malsain, et ça nous montre que "Coma." n'est définitivement pas là pour nous faire sourire.
La suite de l'album est ensuite lancée avec "Path", un morceau qui nous plonge dans le côté Metal de "Coma.". Démarrant par des blast beats, une basse rythmée sur les riffs d'une guitare enervée et rejoint pas la suite par le chant écorché de Vøid appuyé par quelque passage gutturaux en soutiens, le groupe propose une sonorité Post-Black que l'on pourrait rapprocher à Deefheaven sur l'articulation entre les instruments et le chant. Quelques passages de chant clair s'ajoutent à la suite et le morceau se termine avec une sorte de dernier réflexe majestueusement chaotique pour conclure ce second verset.

Le groupe continue donc sa progression dans le Metal extrême avec "Forsaken", titre que l'on pourrait séparer en deux parties, la première avec un rythme plus lent et moins frénétique que le précédent titre, plus Black Metal traditionnel que le titre précédent mais avec les chants (et donc le texte et donc les émotions) plus mis en avant, avec un refrain diantrement efficace et entêtant; Et une seconde partie plus lente que la première sur quelques moments, appuyé par de déchirant cris. C'est l'un des morceaux les plus forts de l'album, tant par la maitrise de la composition que par l'intensité des lyrics.

Le titre suivant parle pour lui même puisqu'il s'agit d"Interlude", nouvelle donation de "Coma." dans la musique ambiant mais cette fois-ci avec quelques lignes narrés dans le ton très sombre du groupe avec une voix d'outre-tombe. Ce morceau préfigure aussi un changement dans les sonorités d' "Agony|Hophek".

"I can live with emptiness but not with you."

En effet, le 5ème morceau "Sleepwalker V" est totalement différent de "Path" et "Forsaken": La musique démarre par une mélodie au piano, lente et mélancolique, accompagnée par la batterie et la guitare et quelque effets sonores et suivit par un chant clair qui persiste pour l'intégralité du morceau. Le morceau sera un peu plus rythmé et intense en progressant la lecture, la batterie plus rapide, la guitare plus présente et quelques passages de chant sont criées pour accompagner le chant clair. Nous sommes là plus proche de sonorité Post-Rock que de sonorité extrême. C'est personnellement, l'un de mes morceaux préférés de l'album, en immense partie dû au chant clair qui m'a rappelé les meilleurs performances de Mike Patton.

La tendance est prolongée avec le titre "Abedah", dont le morceau reprend en grande partie le chant clair, mais cette fois accompagné par des passages gutturaux. Ce morceau reprend tout ce qui faisait la beauté du son précédent, mais ajoute à la fin du titre un passage plus intense et torturé émotionnellement, et s'illustre avec le retour des cris écorchés, des gutturaux plus longs, une batterie plus rythmée et une guitare qui installe ce rythme. "Coma." s'illustre par ce biais comme un groupe qui est plus qu'un groupe aux tendance Black Metal et ces deux morceaux que sont "Sleepwalker V" et "Abedah" prouvent la réelle polyvalence de ce groupe et que leurs univers, bien qu'extrêmement sombre, est quelque chose de complexe et plus difficile à expliquer que la manière dont je l'explique en ce moment même.

"The End of Reason" est un morceau ambiant qui fait une nouvelle office de transition et marque le retour des tendances Metal extrême dans l'album. Cette fois la musique est un peu plus minimaliste que les deux précédents dans le même style, mais celle-ci sonne plus comme une véritable prise que l'on pourrait retrouver dans un superbe film d'épouvante avec des voix modifiés donnant un aspect inhumain comparé aux précédents chuchottements.

"I am mere the voice of the void"

"Ghosting" est un titre plus vindicatif et sadique que les précédents, moins porté sur l'affecte personnel. On y retrouve les sonorités de Metal extrême, plutôt Black Metal, les lyrics étant le plus souvent "Release me, for I can destroy" dans cette chanson, le choix des sonorités Black s'y prêtent bien. Nous y retrouvons les gutturaux et la voix écorchée mais aussi le chant clair pour quelque petit passage, les blast beats de la batterie rythment merveilleusement bien la composition et la guitare dirige fortement le son.

Pour conclure "Agony|Hophek", "Coma." choisit le titre "Loslassen", un morceau unique et "minimaliste" comparé à ce dont le groupe nous a fait subir jusque là: Aurevoir la basse, batterie et guitare, c'est uniquement le piano à 4 mains et le travail des vocalistes pour conclure. Le piano donne un ton déprimant et l'immense talent de Vøid et Déhà qui progressent vocalement au fur et à mesure du morceau, passant d'une narration claire et simple à des hurlements d'agonie et de tristesse, de déchirement, donne lieu à un titre d'une rare intensité. Cet excipit est aussi un des moments forts de cet album, pour la puissance émotive et le talent du vocaliste sur ce morceau.

Vous l'aurez compris, " Agony|Hophek" est une réussite, autant sur le plan de l'originalité que sur le plan artistique: "Coma." nous livre ici ce qui est pour le moment leur opus magnum, un album unique aux sonorités divers et variées qui trasmettent des émotions (certes pas joyeuses) et dévoilent le talent et le génie derrière ce projet. On peut reprocher cependant quelque petites erreurs par-ci et là (la perfection n'est pas de ce monde) sur le plan technique en matière de post-production, notamment sur le mixage qui est quelque fois hasardeux (les premiers passages clairs de "Forsaken" sont difficilement audibles par exemple mais cela est corrigé à la suite de l'album) mais tout cela est bénin, surtout quand il s'agit d'une autoproduction.

L'album est disponible sur le Bandcamp du groupe et est disponible gratuitement (mais vous pouvez aussi donner quelque pièces, ça en vaut la chandelle) et il est très clairement une excellente découverte à faire pour ceux qui veulent écouter quelque chose d'atypique et vrai !

Skarjay Nygma

VISCERAL CIRCUITRY/2017

C'est Nihilistic Holocaust qui nous fait découvrir cette production de chez Visceral Circuitry et celle ci met au goût du jour une formation anglaise obscure de bon death metal old school puisque ce 4 titres de Penthos date de 2014.

Avec déjà un visuel qui attirera l'oeil des adorateurs du style, ce sont quatre titres aussi mélodiques que sombres, fidèles à l'esprit des 90's qui sont proposés ici (sur format cassette qui plus est ! A l'ancienne j'vous dis!)

L'ensemble est aussi brutal qu'accrocheur notamment avec la très patator « Bodily Shut Down » qui joue entre mélodies lugubres alternées de breaks bien techniques et ce petit côté à la Morbid Angel avec ce son qui rappelle la bonne époque.

Lourd, noir et agressif sont les adjectifs qui relatent au mieux l'atmosphère générale.

Les gars maîtrisent les ambiances avec des côtés assez déjantés comme pour « From The Womb » aux passages bien techniques.

Les rythmes varient entre lourdeur étouffante et dynamisme blasté, puis les soli déments accentuent cet aspect un peu fou.

Vocalement, la lourdeur caverneuse en impose.

Mention spéciale à l'éponyme « Lifeless Haze » qui fusionne technique, hypnose, dissonance et oppression.

Le rythme down tempo berce l'auditeur, les grattes sont dissonantes et incisives et cet ensemble lié à ce chant graveleux (alterné d'accompagnements dérangés) ne seront pas sans plaire aux amateurs de combos tels qu'Immolation.

« Black Death » démarre (d'ailleurs) avec cette touche black metal avant de partir sur des passages variant accélérations et breaks plus saccadés, le tout poussant au douloureux headbang.

Encore une bonne découverte ici avec Penthos qui sait dérouler avec grande efficacité et maîtrise. Le death old school a encore de bien beaux jours devant lui.

Hugh Grunt

AUTOPRODUCTION/2016

La musique industrielle est depuis longtemps, pour ne pas dire depuis ses débuts, une affaire exclusivement allemande. La plupart des artistes y sont situés, le public avec, et il n'est pas étonnant que beaucoup de groupes d'autres pays connaissent la notoriété bien loin de chez eux. C'est le cas du groupe Hellhumm, groupe composé de Javier Calvo au synthé et à la programmation, Sergio Torroba Herranz lui aussi aux synthé et à la batterie électronique et l'acteur Ignacio Ysasi au chant et à la guitare. Le groupe sort donc son premier album, autoproduit, "Random Damage Industry" d'une durée de 40min pour 11 chansons prometteuses montrant que l'Espagne possède son lot de talent.

"Random Damage Industry" commence avec un premier titre "Scramble" d'une efficacité remarquable et donnant directement la température de l'album. On est sur de la composition réfléchie, des sonorités de synthétiseurs entêtantes et malines, et un chant hypnotique qui rappelle Dave Gahan voir Gary Numan.

Chaque morceau de l'album possède sa propre identité. On y décèle d'ailleurs pas mal d'inspiration à Depeche Mode, Nitzer Ebb, Front 242 ou encore Skinny Puppy, variant entre chaque morceau, certains sonnant plus harsh comme "Gravity (Restraint)" et sa sonorité très indus des 80s ou l'instrumental "Scum"; comparé à des morceaux plus accessibles, car tournant assez soft-pop, tel "No Dawn" et son refrain entêtant (un coup de coeur personnel pour ce son).

Cependant, l'album souffre à l'écoute d'un soucis de mixage/mastering assez flagrants sur certains passages, rien de bien méchant mais quand même assez frustrant par-moment tant ça gâche un peu le plaisir.

Dans l'ensemble, Hellhumm nous livre un premier album entrainant et varié qui témoigne de la passion des membres pour la musique. Mélangeant des effets EBM contemporains et old-school, des effets indus venant des 80s et d'autres venant de la pop voir de l'electro-rock, "Random Damage Industry" saura combler toutes oreilles friandes de sonorités électroniques malgré un soucis de mastering, et il n'en sera que bénéfique que de suivre ce groupe dans son évolution.

Skarjay Nygma

SLIPTRICK RECORDS/ 2016

Damned Pilots, nous vient de Trieste en Italie et prétend faire du « Post Nuclear Metal ». Qu’est-ce donc le Post Nuclear Metal ? C’est ce qu’on nous allons tenter de découvrir à l’écoute de leur second album, « Overgalaxy ».

Ce qui est intéressant, à première vue, c’est que le groupe pousse le concept à son paroxysme. Look futuriste, artwork immersif. Tout a l’air profondément réfléchit. Une bonne entrée en matière qui donne envie de découvrir l’univers post apocalyptique que le quatuor nous propose.

Ok, il est temps de parler de ce qu’on peut entendre sur cet « Overgalaxy ». Et ce n’est pas ce qu’il y a de plus facile à décrire. Il y a une telle multitude de styles et d’influences différents que Damned Pilots est difficilement comparables à d’autres groupes.

Suivant les titres, vous allez pouvoir découvrir des passages Doom Metal, Heavy Metal, limite PowerMetal. Le tout est assez puissant avec une recherche de la mélodie assez présent.

Il y a peu de passages vraiment rapides, on est plutôt dans le mid tempo. Au final, pas si éloigné que ça d’un Rob Zombie par moment.

Si vous cherchez des solos de guitares à tout va, vous allez être déçu, car ce n’est pas le genre de la maison. Damned Pilots préfère se concentrer sur la qualité des rythmiques et de riffs accrocheurs.

Le tout formant un album cohérent et assez solide, même si ce n’est pas ma tasse de thé.

Une mention spéciale, pour « MOS », et ses 6 minutes 41 de drone psychédélique qui est juste parfait pour clôturer cet album de la meilleure manière possible.

Alors, oui, en lisant la mention Post Nuclear Metal, je m’attendais sincèrement à autre chose. Mais le principal dans cet album, est qu’on sent le groupe sincère dans sa démarche. Et surtout, on sent un groupe qui prend du plaisir à jouer ensemble, et à faire ce qu’il aime. Et ça c’est ce qu’il y a de plus beau. Et rien que pour cette franchise partagée, cet album mérite d’avoir la reconnaissance qu’il mérite.

Doomyan